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jueves, 27 de octubre de 2011

Especial: Psicodelia


La psicodelia fue un movimiento artístico y cultural que se vio reflejado en la música, las artes visuales, la moda y el comportamiento de los individuos, el cual tuvo una vigencia desde 1965 hasta 1975.
Nació dentro de la comunidad hippie de la ciudad de San Francisco, California, en la década de los 60, pero fue en 1967 cuando tomó un verdadero auge con la celebración del Summer of Love (Verano de Amor).
Aunque nació en San Francisco, en poco tiempo se apoderó de la cultura de todos los Estados Unidos y el mundo entero.

Se dice que la psicodelia comenzó a desarrollarse en 1950, cuando se inició la utilización recreativa de drogas alucinógenas. Los efectos que generan estas sustancias sobre el individuo, son los elementos comunicados de este arte, es decir, la sinestesia, la alteración de la percepción del tiempo y el sentido de la realidad.

El movimiento psicodélico fusionó a muchos de los sectores de la sociedad, sin importar sus fuertes límites y creencias sociales. De hecho, las manifestaciones psicodélicas podían ser deleitadas no solamente por quienes habían tenido experiencias con drogas alucinógenas, sino por todos, es decir, la experiencia psicodélica no era un requisito para ser parte de esta cultura.
A partir de 1970, la psicodelia pierde notoriedad, ya que fue desplazada por otras corrientes culturales. Sin embargo, su influencia aun persiste en las manifestaciones artísticas contemporáneas, especialmente en la publicidad, videos musicales, cine y música pop.

El término psicodélico

La palabra psicodelia es una adaptación al castellano del inglés psychedelia, formado a partir de las palabras griegas psyché que quiere decir alma y délomai que significa manifestar. Por ende, psicodelia se refiere a la manifestación del alma.
El psiquiatra británico Humphry Osmond fue quien inventó este término, el cual fue presentado en 1957 en una reunión de la Academia de Ciencias de Nueva York, y lo utilizó como una palabra alternativa para describir el efecto de las drogas alucinógenas en la psicoterapia psicodélica.

Manifestaciones artísticas psicodélicas

El movimiento psicodélico influenció muchas de las manifestaciones artísticas de la cultura, como la música, las artes visuales y la moda.

1.- Música psicodélica:
El tipo de música que más evidenció influencia del movimiento psicodélico fue el rock surgido en 1960. Conocido como el rock psicodélico, se caracteriza por poseer composiciones improvisadas relacionadas con drogas alucinógenas, melodías modales, letras esotéricas que describen sueños, visiones y alucinaciones, las canciones son largas y presentan prolongados solos instrumentales. Además, hay presencia de efectos electrónicos, como distorsiones, feedbacks, entre otros.
Los sonidos del rock psicodélico son varios y están comprendidos entre el acid rock y el heavy metal, por ello se dice que no existe una fórmula exacta para hacer este tipo de música.
Algunos representantes de la música psicodélica fueron Jimi Hendrix, The Beatles, Pink Floyd, 13th Floor Elevator, The Doors, entre otros.

2.- Arte psicodélico:
Fuertemente influenciado por el modernismo, en vista de su fascinación por las formas naturales y estilizadas; el arte psicodélico fue una manifestación visual que se introdujo en la cultura popular por medio de las carátulas de los discos y los afiches de los concierto de los músico representantes de este movimiento.
De igual manera, este arte se popularizó ya que fue incluido en los avisos publicitarios y en los libros de tiras cómicas de muchos artistas famosos, como Robert Williams.
Para producir piezas psicodélicas, no era necesario haber experimentado con ciertas drogas. De hecho, se dice que MC Escher, Mati Klarwein y Salvador Dalí hicieron piezas que pueden ser consideradas psicodélicas.
El arte psicodélico se basó en patrones y modelos de caleidoscopios, fractales y cachemiras, los cuales eran enriquecidos con colores brillantes que hacían grandes contrastes. Además, era extremadamente minucioso en cuando a los detalles y la estilización. Se utilizaban diversas formas y a veces la técnica del collage.
Algunos representantes de este tipo de arte fueron: Robert Williams, Pablo Amaringo, Martina Hoffman, entre otros.

Cine psicodelico 

El LSD ya era consumido por experimentadores como Timothy Leary a fines de los años 50', pero fue a mediados de los 60' cuando el ácido se convirtió en una de las drogas más comunes del flower power. Desde entonces el LSD fue un ingrediente fundamental del cine psicodélico. Sin embargo, la primera aparición en la pantalla de esta polémica sustancia fue anterior a la era hippie. El vanguardista William Castle la introdujo en su ultra bizarro filme de horror The Tingler (1959), siendo Vincent Price el primer intérprete cinematográfico que tuvo el privilegio de inyectarse LSD. Luego de picarse su acidillo, el pobre Vincent sentía un calor anormal y actuaba de manera bastante curiosa.

Pero para que aparezca el subgénero lisérgico de las películas sobre drogas psicodélicas hay que esperar hasta después de 1966, con títulos de producción más bien marginal como Acid Eaters, Acid Mantra o Rebirth of a nation, Acid Dreams, Hallucination Generation, The Weird World of LSD y Alice in Acidland. El momento culminante de estas películas, que a veces contenían elementos marcadamente eróticos, era siempre el viaje psicodélico en sí mismo y sus ignotos directores trataban de representarlo utilizando algún tipo de recurso cinematográfico especial para potenciar lo que ocurría en los sacudidos cerebros de sus personajes.


Hallucination Generation, por ejemplo (filmada en Ibiza) era un filme en blanco y negro con excepción de las escenas de consumo de ácido, rodadas en colores. Otros lugares comunes de los creativos del LSD eran los distintos planos fuera de foco, el uso y el abuso del gran angular, la vieja vaselina en el lente (o algún truco óptico similar) y muy especialmente la imagen negativa (ya usada en el cine mudo, en Nosferatu de Mumau) y el solarizado. Este último recurso estético quizá sea el más efectivo del cine psicodélico y en plena época del '90 sigue apareciendo bastante en la industria del video-clip de rock. Hay que reconocer que cualquiera de estos recursos resulta hoy mucho más efectivo que las torpes fantasías ácidas plasmadas por Milos Forman en la trasnochada Hair (1979).
 El superclásico del subgénero LSD es indudablemente The Trip (El viaje) rodada por Roger Corman en 1967. Antes de rodar este filme, Corman aseguró haber probado LSD para poder representar con precisión los efectos de esta sustancia, aunque a juzgar por el estilo psicodélico de filmes anteriores como El hombre con ojos de rayos x, habría que suponer que el director ya lo había experimentado antes, con fines menos cientificistas. En The Trip, Peter Fonda es un cineasta publicitario que decide probar el ácido, y al alucinar tiene visiones confusas en las que a veces irrumpen personajes y situaciones que parecen salidos de los filmes de la serie de Poe realizadas por Corman años antes.

Otros personajes dados vuelta de The Trip son Susan Strasberg, Dennis Hopper, Bruce Dern y el infaltable Dick Miller. La banda sonora estaba a cargo de un olvidado grupo de los '60, Electric Flag, que ya se había hecho cargo de la música de otro filme de Corman, The Wild Angels, cuando los muchachos de Grateful Dead pidieron demasiado dinero (estos temas de Electric Flag a veces fueron objeto de covers a cargo de bandas de culto de los '80 como The Fuzztones).


Corman encomendó el guión de The Trip a un experto en el tema: Jack Nicholson, quien había probado el ácido (y probablemente todos los demás tipos de estimulantes conocidos) y estaba tratando de conseguir trabajos detrás de cámaras porque no se sentía muy afortunado como actor. Nicholson escribiría también otro de los grandes filmes psicodélicos de la era del flower power: Head, la película con la que los Monkees culminaron su exitosa serie de TV. Head no mostraba consumo de drogas de ningún tipo pero sus referencias al estado psicodélico eran obvias ya desde su título: en los Estados Unidos las películas de ácido también son conocidas como head movies.


Un detalle interesante de las películas sobre LSD es que a diferencia de otros filmes sobre otras drogas (marihuana, heroína, cocaína, opio) sus directores están a favor del uso del alucinógeno. Justamente uno de los motivos de la ruptura entre Corman y sus distribuidores de American International Pictures, fue que a The Trip le agregaron sin consentimiento de su autor un epílogo vagamente moralista en el que el rostro de Fonda se congelaba y resquebrajaba indicando algún tipo de secuela negativa en su personalidad.


Sin embargo, otra película de 1967 de A.I.P., Riot Sunset Strip (Reto callejero), de Arthur Dreifuss, se acercaba a la escena psicodélica con menos seriedad que Corman. Su mensaje era un poco menos libertario, pero esto se compensaba con la presencia de mejores bandas de rock. En el antro beat Pandora's box aparecían en acción The Standells (que en sus filas escondían a un ex mousekeeter del Mickey Mouse Club de la TV) y los míticos The Chocolate Watch Band (dicen que este grupo sólo grababa si tenían con ellos algo que llamaban el cofre, cuyo contenido es fácil de adivinar). The Standells, que son recordados como líderes de rock de garage y los punks americanos de los '60 (no confundir con los ingleses de los '70) tocaban varios temas, incluyendo el hit que daba su título al filme. Y The Chocolate Watch Band interpretaba dos temas formidables, Sittin There Standing y uno de sus clásicos, Don't Need Your Lovin.


Pero el momento culminante de Riot on Sunset Strip era un freak out, es decir una fiesta psicodélica en la que la pobre Mimsy Farmer le ponían ácido en una inocente gaseosa diet: la chica se iba poniendo más y más frenética bailando una de las danzas más ridículas que se hayan visto en la pantalla grande. Luego uno de los chicos la llevaba al cuarto de arriba y la violaban entre cinco. El ignorado Dreifuss se convirtió así en uno de los pocos cineastas en ocuparse del bad trip.

Otro título fundamental en la materia es Psych-Out, donde Dean Stockwell, Jack Nicholson (cuyo personaje tenía el más sugestivo nombre de Stoney y tocaba la guitarra eléctrica), Susan Strasberg, Bruce Dern y Henry Jaglom vivían una serie de experiencias dramáticas en el ambiente hippie americano de fines de los '68. Dos puntos fuertes de Psych-Out son la fotografía de Lazslo Kovacs y la presencia de dos excelentes bandas de rock psicodélico, The Strawberry Alam Clock y The Seed. La frase publicitaria era muy sugerente: "Pruebe un momento de locura...Escuche el sonido púrpura".


American International Pictures produjo otro clásico ácido en 1968. Luego del éxito comercial sin precedentes que había tenido The Trip, Sam Arkoff y su socio James Nicholson ya no se preocuparon más por el qué dirán y produjeron la desvergonzada Wild in the Streets, una fantasía lisérgico-apocalíptica dirigida por Barry Shear en la que un multimillonario rock star dealer (Christopher Jones) logra reducir la edad para votar a los 14 años y es elegido presidente de los EEUU. El flamante mandatario, luego de cantar en TV el superclásico psicodélico The Shapes of Things To Come (por Max Frost and the Troopers; los Ramones lo hicieron suyo en su disco Acid Eaters) decide mandsar a todos los mayores de 30 años a campos de concentración en donde les aplicarían dosis masivas de LSD.

La mamá del candidato está interpretada por Shelley Winters, que en algunos momentos aparece como hippie. Hal Holbrook es un político de la vieja escuela y un casi irreconocible Richard Pryor es Stanley X, el baterista de la banda del presidente.


 
A medida que el flower power se fue convirtiendo en un fenómeno masivo, el tema y las imágenes psicodélicas propias de LSD fueron tomadas por el establishmente. En Skidoo, Otto Preminger mostró a Groucho Marx bajo los efectos de un ácido, y el final de 2001 Odisea del espacio de Stanley Kubrick es el más elaborado viaje psicodélico de la historia del cine (en un momento Kubrick le pidió a Pink Floyd que compusiera la música para el fianl de la película, pero luego se arrepintió y optó por algo más clásico).

Mientras los cines donde daban 2001 se llenaban de hippies y freaks completamente pasados de estimulantes, los estudios Disney reestrenaron Fantasía con una publicidad que la asimilaba a la experiencia lisérgica.


Ya en los '70, Ken Russell puso en escena una de las menos sutiles y más divertidas secuencias de la historia del cine psicodélico en Tommy, la ópera rock de los Who en la que el muchacho sordomudo y ciego del título (Roger Daltrey) era tratado por Tina Turner, en su inolvidable rol de Reina del Acido. Russell volvió con todo a la psicodelia en Altered States (Estados Alterados) que comenzaba tomándose seriamente los estudios del científico William Hurt sobre la expansión de la mente a través del consumo de hongos y la meditación en tanques de agua. Claro que el director de Lisztomania no pudo con su genio e hizo que, de tanto trip, su protagonista terminara transformándose en una especie de cavernícola furibundo.


Pero en general del cine fantástico sublimó el tema bad trip en filmes como Blue Sunshine, de Jeff Leiberman (1976) o la más conocida adaptación de la novela de Stephen King Firestarter (Llamas de venganza, Mark Lester, 1984) donde el uso del ácido derivaba en locura ultraviolenta o fenómenos paranormales.

En plena década de los '90 las drogas químicas como el ácido lisérgico (en nuevas versiones menos potentes que las de los años '60) y el éxtasis se volvieron a poner de moda, aunque no al punto de aparecer en demasiadas películas. Curiosamente las películas más ácidas que se han visto últimamente son superproducciones con mensaje de Oliver Stone como The Doors y Asesinos por naturaleza. Pero por supuesto estos trips modernos no tienen la fuerza psicodélica necesaria como para borrar el recuerdo de la vieja psicodelia de A.I.P. 

Para ver online: 

Titulo original: Tommy
Año: 1975

domingo, 16 de octubre de 2011

Stereo (1969)

 ¨El uso adecuado de los afrodisíacos psíquicos no es para aumentar la potencia sexual o la fertilidad, sino para demoler las barreras de la resistencia psicológica y de la inhibición social que restringe a las personas a una monosexualidad o a una supuesta forma bisexual de omnisexualidad. Entonces el telépata, por la propia naturaleza sexual de su espacio experimental continuo, puede ser visto como el prototipo posible del hombre tridimensional.¨

¨Stereo¨ (1969) una película de apenas una hora de duración; difícil de clasificar y difícil de ver, por no decir insoportable. Sin embargo, ya en este primer trabajo encontramos algunos de los temas más recurrentes en la trayectoria de Cronenberg, como son la misteriosa capacidad del cerebro, la degeneración del ser humano o los comportamientos sexuales.
Con ¨Stereo¨, David Cronenberg nos introduce en un gélido recinto donde se experimenta con las mentes de un grupo reducido de individuos. Dice el director que el título se refiere al modo en el que los telépatas perciben el mundo, en oposición a cómo lo hacen las personales normales; quizá se le olvidó añadir que sólo los telépatas podrán disfrutar de este producto audiovisual, que fue posible gracias a la ayuda económica de un organismo público (el Canada Council, que pensaba que estaba financiando una novela), un hecho que volverá a repetirse más adelante.

Los orígenes del cineasta

Según cuenta el propio realizador, David Cronenberg no tenía claro qué hacer en 1965. Tenía entonces 22 años y le apasionaba el arte y la literatura (se graduó en esta especialidad tras decepcionarle las ciencias), pero no encontraba su vocación. Hasta que ese año vio una película que le abrió los ojos. El film, de David Secter, se titulaba ¨Winter Kept Us Warm¨ y se había rodado prácticamente sin presupuesto entre un grupo de amigos, del mismo entorno de Cronenberg. Le impresionó el resultado, y vio las posibilidades del medio para alguien como él. Se le encendió la bombilla y decidió probar suerte. Casualmente, Secter se perdió por el camino y el otro llegó (entre otras cosas) a presidir el festival de Cannes.
Pero Cronenberg todavía tardaría aún cuatro años en tener listo su primer largometraje. Durante ese tiempo se alió con otros jóvenes canadienses con inquietudes artísticas para crear una asociación de fomento del cine experimental, inspirados por el movimiento “underground” de Nueva York, ya en 1966 graba su primer cortometraje, ¨Transfer¨, sobre el concepto “freudiano” de transferencia, en el que un médico y su paciente hablan durante siete minutos en un campo. Un año después realiza el segundo corto, ¨From the Drain¨, centrado en otros dos personajes que hablan durante varios minutos; en este caso, dos ex-combatientes y en un bañera. El cineasta no los defiende, los ve como experimentos, entrenamientos, como la preparación de lo que vendrá más adelante. En 1969 tendríamos ya el primer “aviso” serio de lo que se está originando.
David Cronenberg quería rodar su primer largo en 35mm, porque le parecía que era el formato del “verdadero cine”, así que alquiló una cámara Auricon y produjo, a través de su recién creada Emergent Films, ¨Stereo¨, a la que llegó a definir como “una investigación de la incapacidad de la sexualidad corriente”, que también escribió, dirigió, fotografió y montó; podría haberla protagonizado (de hecho trabajará como actor en el futuro), pero quizá no se atrevió, o no quiso dejarle la cámara a otra persona. Al frente de ella puso, entre otros, a Iain Ewing y Jack Messinger, protagonistas de la mencionada ‘Winter Kept Us Warm’.

El comportamiento sexual de los telépatas

David Cronenberg asegura que nunca ha sido un cinéfilo, que siempre le interesó más la literatura, pero que Ingmar Bergman estuvo presente en su cabeza desde su más temprana juventud, cuando su padre le habló de ¨El séptimo sello¨ (1957). Viendo su primer largometraje, uno comprende enseguida que esto debe ser cierto. La estética de ¨Stereo¨ remite directamente a la obra del genial cineasta sueco, y hasta su protagonista (Ronald Mlodzik) parece el doble de un joven Max Von Sydow. Desafortunadamente, la cuidada factura visual de ¨Stereo¨ no llega a tapar el desparrame de ideas que Cronenberg quiso plasmar, siendo sin duda otro de esos “pretenciosos experimentos” (en palabras del director) con los que inició su carrera artística.
A nadie le puede sorprender esto. El 99% de los veinteañeros con aspiraciones en el mundo del arte comienzan con aires pretenciosos, en parte por querer reivindicarse ante los demás, en parte porque Hollywood nos vende que con una pizca de suerte podemos superar a Steven Spielberg. Cronenberg tenía otro ideal en mente (el arte puro y duro), pero también se lo creyó demasiado pronto. En cualquier caso, sin sus primeros pasos no habría llegado a donde está ahora, y es imposible hacer algo grande sin jugársela, sin atreverse a romper las barreras. Le habría resultado más fácil ponerse a tirar cubos de pintura sobre un lienzo, pero le interesó el cine y se lanzó a exprimir sus posibilidades. Así que este joven continuó en lo suyo, trasladando los temas que le interesaban a esta primera pieza audiovisual.
Pieza de un opresivo y expresivo blanco y negro (el color de las primeras películas de los estudiantes con pretensiones), que se grabó sin sonido directo. Durante gran parte de la película no se oye nada, y a esto se le podrán dar mil interpretaciones, pero lo cierto es que Cronenberg usaba una cámara que hacía demasiado ruido. Se tendría que haber incorporado el sonido en post-producción, cosa que hizo, pero a su manera. En lugar de añadir el ambiente y las conversaciones o los gritos, Cronenberg hace hablar a unos doctores ficticios que relatan los conocimientos teóricos, las pruebas y los comportamientos de los sujetos que están siendo investigados. De este modo las extrañas imágenes (casi siempre estáticas y encuadradas con evidente esmero) son a veces acompañadas por una jerga científica deliberadamente recargada y prácticamente ininteligible, que llega a funcionar casi como música (por su tono repetitivo y distante), creando la sensación de estar contemplando un (soporífero) documento verídico sobre un grupo de pacientes reales a los que se les ha dado la facultad de la telepatía, lo que los transforma en seres nuevos, con su propia manera de entender la realidad, la sociedad y el sexo.
No hay mucho más que decir sobre ¨Stereo¨, salvo aplaudir la inteligencia de Cronenberg al aprovechar la laberíntica construcción del Scarborough College de la Universidad de Toronto (diseñado por John Andrews) donde rodó el film. El centro, (repito) iluminado con gran acierto, le sirve al incipiente cineasta no sólo para enrarecer aún más la atmósfera (junto a la falta de sonido, los comportamientos de los personajes, casi como animales perdidos en una jaula, y las explicaciones en off de los supuestos científicos), sino también como símbolo de las misteriosas investigaciones que se estarían llevando a cabo allí y de la complejidad de la mente humana, el objeto de estudio, que como un ente aparte, parece poder ser capaz de mutar y extender su poder más allá del limitado cuerpo físico. Cronenberg apunta, deja detalles interesantes, imágenes muy sugerentes, pero todavía es un chico inexperto que acaba de empezar.
No obstante, ¨Stereo¨, se presentó en varios festivales (con dinero del bolsillo de su autor) y fue una de las diez películas seleccionadas para integrar un bloque llamado “Nuevo Cine Canadiense”. La International Film Archives se interesó por Cronenberg y le adelantó el dinero que necesitaba para rodar su siguiente trabajo, ‘Crimes of the Future’ (1970). Pero esa es hotra historia...

Capturas:
Datos tecnicos:

*Titulo original: Stereo
*Año: 1965

*Genero: 
Sexplotation, clasico, fantastico
*Idioma: Ingles (sub. español)
*Tamaño:
202.97 Mb
*Formato:   
RMVB
*Servidor: Megaupload
*Calidad De Imagen: Excelente Calidad          
*Reproductor Recomendado: Descargar Real Alternative

Enlace online:

jueves, 13 de octubre de 2011

Crash (1996)


James Graham Ballard publicó su novela Crash en 1973. No la he leído, pero las informaciones indican que la obra es prácticamente intraducible en imágenes; una vez vista la versión de Cronenberg, la película es prácticamente indescriptible en palabras.
Es sorprendente cómo, partiendo de una obra ajena, Cronenberg, una vez más, la trasladó a su mundo personal, tal como había hecho anteriormente con La mosca (1986), Inseparables (1988), The Naked Lunch (1991) y M. Butterfly (1993, previos originales literarios o teatrales). También entronca con su primera etapa de cine fantástico, pues Cronenberg es un realizador en constante evolución pero siempre coherente con su percepción del mundo como artista; en Crash se perciben impactos visuales de Videodrome (1983), de La mosca, de Inseparables, de The Naked Lunch. De hecho, partiendo de una novela no fantástica de un escritor especializado, más o menos, en el género, Cronenberg ha efectuado una película sugestivamente irreal, una prueba más de que una obra es fantástica por la perspectiva con que se narra, no por sus mecanismos narrativos. Y Crash es cine fantástico cien por cien.
En un mundo que casi parece extraído de una pesadilla kafkiana -y que recuerda el Montreal asolado por la plaga de Rabia (2009)-, el matrimonio formado por el productor de cine James Ballard y Catherine viven su relación acostándose con otras personas y después contándose sus experiencias mientras realizan el acto; de este modo, prosiguen la relación con los demás, una vez comprobado que ellos, por sí mismos, no se estimulan lo suficiente. En un accidente automovilístico que sufre James, conoce a Helen y ella lo introduce en un mundo de fascinación por los accidentes, los coches, los cuerpos doloridos, llenos de cicatrices e imposibles aparatos ortopédicos, tan desquiciados como el material quirúrgico de Inseparables. Ello re-conduce la relación entre James y Catherine, al tiempo que el primero va introduciéndose más y más en unos afectos basados en el sadomasoquismo y donde la unión entre lo orgánico y lo mecánico es la sublimación del acto sexual. En realidad, tanto James como Helen, Vaughan (la pareja de Helen) o Gabrielle (una enigmática lisiada que vive con Vaughan y Helen y se acuesta con ambos) están haciendo el amor con los automóviles, no con las personas con las cuales fornican dentro de los vehículos. Y el orgasmo es una colisión entre coches, de ahí que tras ser Vaughan sodomizado por James, el primero embista su vehículo contra el del segundo, intercambiando de ese modo los roles; véase lo significativo que todos los actos sexuales que aparecen en el film sean de penetración por detrás, lo que los equipara a la embestida de un coche contra el vehículo que tiene delante.
Crash es, en suma, una composición que ofrece infinidad de visiones, lecturas e interpretaciones, un film desasosegador, inquietante y excitante (no en el sentido sexual, sino en el intelectual). No es una película para todos los paladares, pero es una obra maestra.
La película sufrió iras censoras en todo el mundo, y en Inglaterra se prohibió su estreno. En Estados Unidos fue amputada, y en España se vio la versión íntegra. Con todo, el final fue cambiado: tras el accidente final, James y Catherine hacían el amor mientras el coche ardía, y después reposaban, ella mostrando su desnudo, y la cámara iniciaba un movimiento de retroceso.

Capturas:
Datos tecnicos:

*Titulo original: Crash
*Año:
1996
*Genero: 
Sexplotation, clasico, fantastico
*Idioma: Español
*Tamaño:
 431 Mb
*Formato: FlV

*Servidor:  Mega
*Calidad De Imagen: Excelente Calidad          
*Reproductor Recomendado: Descargar Real Alternative

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domingo, 9 de octubre de 2011

Murio Marcelo Tinelli (cuento)


Hace algunas horas, dejó de existir el Rey del Show Business, y el segundo zar de las comunicaciones, Marcelo Tinelli. Las causas de su deceso no están claras.

¿Suicidio, o Asesinato?
“El Señor Tinelli no estaba en su mejor momento” declaró a Crónica TV hace algunos meses su analista, quien pidió absoluta reserva acerca de su identidad.

“Marcelo quedó devastado luego de su separación de su segunda esposa, Paula (Robles), se lo veía con el semblante taciturno, Marcelo no era el mismo”.

Lo que el corazón siente la razón no comprende. Lo cierto es que Marcelo Tinelli estaba atravesando varios conflictos de vasta magnitud. Por un lado, su separación y el derrumbe, el segundo derrumbe de su familia, y por otro, los mapuches estaban muy enojados.

Comunidad Mapuche Vs. Marcelo Tinelli
Trafipan 2000 es el proyecto que integraría Marcelo Tinelli en la provincia sureña de Chubut, donde se han comprado miles de hectáreas para a construir un megaproyecto turístico. El mismo se ve imposibilitado de accionar a menos que proceda con el desalojo de 30 familias mapuches que conforman la Comunidad Pillán Mahuiza y del Frente de Lucha Mapuche y Campesinos en el marco de la lucha por la defensa del Agua y la Tierra.

¿Bailando por cuál sueño?

Me pregunto, ¿qué danza tendremos que hacer los mapuches y campesinos para que nos devuelvan las tierras? Es tan conmovedor ver a Tinelli cuando se emociona ante algún caso de injusticia social. Se le llenan los ojos de lágrimas y mira hacia las cámaras. Si los indígenas se presentaran en su show, ¿podrían conseguir algo de respeto a sus derechos naturales? ¿Saben qué es Trafipan 2000? Marcelo Tinelli, conductor y empresario televisivo que compró miles de hectáreas en la provincia sureña de Chubut, necesita desalojar a treinta familias mapuches para construir un megaproyecto turístico.

Marcelo y De Angeli.
Crónica T.V habló con Alfredo de Angeli, quien declaró:

"Estoy consternado por la noticia. Soy colono de los Tinelli desde hace diez años.”

Lo cierto es que Marcelo Tinelli tenía acciones en una empresa del ex-gobernador de la provincia de Entre Ríos, y colaboraba gentilmente desde su programa con la campaña Anti-Vazquez, el déspota ex presidente de la vecina República Oriental del Uruguay, quien no ha tenido compasión por la ecología, y ha dejado a los habitantes de Gualeguaychú sin una playa con vista al cielo. Uruguay “pintó una fábrica” en el cielo de Gualeguaychú, escribió el poeta Juan Tierra.

Marcelo y sus jets privados.

Los funcionarios K viajaban en los aviones de Marcelo Tinelli. Una madrugada , a bordo de uno de ellos –alquilado por la energética pingüina Enarsa– llegó al país un venezolano con su valija repleta de dólares, presuntamente destinados a alguna faceta de la campaña presidencial de Cristina Kirchner con la cual, aparentemente Marcelo colaboraba.

MARCELO LES ESCRIBIO A SUS FAMILIARES AVISANDO QUE PENSABA HUIR AL URUGUAY... CARTAS QUE AGRAVAN LAS DUDAS
El empresario escribió a sus exs mujeres y a cada uno de sus hijos, les pidió perdón y les avisó que se iría. Ese hecho y la existencia de custodios arroja dudas sobre un suicido.

La conducta de Marcelo Tinelli en los días anteriores a su muerte no parece ser la de un suicida.

La ceremonia de su sepelio


"Frente a los grandes muertos tenemos que olvidar todo lo que fue el error, todo cuanto en otras épocas pudo ponernos en las divergencias y en las distancias. Los grandes muertos dejan siempre un mensaje". Las palabras fueron pronunciadas por Ricardo Fort, en las exequias de su máximo rival en cuestiones del “corazón".


Marcelo Tinelli demostró en vida y reafirmó con su muerte que apostaba al diálogo. La multitud que asistió a despedirlo en el Congreso de la Nación, obliga a considerar su fallecimiento como un hecho político, un cacerolazo en silencio. Aquellos que peregrinaron lo hicieron no sólo para expresar su aprecio al ex show Business Man, sino que también quieren apostar a los mismos valores y principios del denominado "padre de la Televisión".


Quedó demostrado que los argentinos quieren creer en los maestros; que valoran la honestidad y la humildad de un hombre, aún reconociendo que cometió errores, que trabajó en pos de lo común, de lo público, de la Danza. La gente quiere apostar a las instituciones y no quiere más violencia. Quiere vivir la democracia, que no implica solamente imponer la voluntad de las mayorías. Esto en alusión a las constantes discrepancias de Graciela Alfano con los otros miembros del Jurado de Bailando.


La muerte de Marcelo Tinelli dio lugar a que Cristina Kirchner mantuviera una comunicación con Ricardo Fort; a quien el ex Presidente, Néstor Kirchner, saludará en su fábrica de chocolates. El funeral del ex show Business Man fue el marco que permitió el respeto a las diferencias, y que éstas no impliquen posiciones irreconciliables. Los argentinos exigen fortalecer el sistema democrático de los jurados de todos los Bailando sobre la base de consensos, controles, respeto mutuo y diálogo. Ésta fue la postura de Marcelo Tinelli en vida, y el mensaje que nos dejó con su muerte.


Cerebros Transparentes.

En los días siguientes a su muerte, aumentaron un 1000% los casos de depresiones y suicidios, pasando a ser en pocas horas, nuestro país, el primero en el ranking de suicidios mundiales.

La gente tiene sus días vacíos, y se desespera. No tienen tema de conversaciones, no tienen lo que mirar, puesto que Intrusos no tiene información de entrada, y Jorge Rial aprovechó para tomarse un descanso y aliviar su pena en las islas Cayman, junto a su esposa.

PASA EL TIEMPO IRREVERSIBLE...

En los últimos años se agotaron todos los psicofármacos de la Argentina, y un prestigioso laboratorio descubrió que no se trataba de una depresión como las otras. Esta depresión era devastadora, y además contagiosa.

Todos los afectados por la epidemia están viviendo una especie de Náusea, y es común que se arrojen sin más ni más a las vías del tren, o se inyecten arsénico.

Los sobrevivientes, se miran sus rostros, y tratan de sacar un tema de conversación, pero es imposible, puesto que no hay de qué hablar. Y esa es la causa de esta crisis absoluta.

Algunos, simplemente salen a deambular por Buenos Aires, caminan con los ojos desorbitados, hay perdido a su “Rey”.

Crónica conversó con uno de ellos, que parecía estar proclive al diálogo: “Camino sin rumbo, simplemente, sobrevivo. No tengo ideas, ni ideologías, perdí el sentido, y mis días están cada vez más vacíos. No sé cuánto tiempo más resistiré".

Tiempo después, otro contagiado por la depresión-Tinelli fue sometido a un encefalograma. El resultado fue escalofriante. El Dr. Srinc no daba crédito a lo que sus ojos veían en la radiografía: el cerebro aparecía dibujado como un contorno, y vacío.

El Dr. Srinc realizó las radiografías a varios pacientes más, mil veces a cada uno, y no había dudas. Sus cerebros se habían vuelto absolutamente transparentes.

“El fenómeno que estamos viviendo es inusitado, y jamás había visto algo similar; aún estamos investigando esta enfermedad posmoderna, puesto que milagrosamente, a pesar de los Cerebros Transparentes, el paciente sigue pudiendo hablar, comer, y desplazarse. Lo cual nos lleva a replantearnos todo el funcionamiento del Sistema Nervioso.” Finalizó sus declaraciones el mentado Dr.

Lo cierto es que luego de varios años de estudios, el Sistema Nervioso de los Hombres pasó a ser un Misterio, una especie de agujero negro en el espacio.

Se sabía muy poco a pesar de las horas invertidas en los últimos cincuenta años posteriores a la muerte de Tinelli. Las personas ya no hablaban, sus funciones vitales se veían reducidas a caminar sin rumbo, a comer y a dormir.

El Fenómeno Cerebros Transparentes ya había llegado a los confines de Tierra del Fuego, Jujuy, y Mendoza.

Nuestro país está a la fecha decretado Mundialmente en estado de Cuarentena. Las fronteras están cerradas debido a la epidemia y nuestro destino es incierto.

Anna Donner Rybak © 2010 
Muchisimas gracias Anna.

sábado, 8 de octubre de 2011

Las amargas lagrimas de Petra Von Kliksberg (cuento)

 
Entre octubre de 1789 y mayo de 1807 trabajó en el hospicio para niños huérfanos y desvalidos de Königsberg una religiosa prusiana llamada Petra von Kliksberg. Los registros señalan que había abrazado la doctrina más integrista y rencorosa de todos los tiempos, y así muchos la refieren como ¨ La institutriz feminista ¨. De buena mañana adoctrinaba a sus inocentes pupilos sobre lo que llamaba el ¨ Pecado atávico ¨, que consistía en que estaba científicamente demostrado que el género masculino había molido a palos a las mujeres desde la noche de los tiempos y por tanto dicho delito era imputable a la condición genética de todos los varones y no a su libre albedrío.
Dedicaba sus largas tardes en el hospicio al mantenimiento de su colección de látigos, varas, azotes y flagelos. Siempre tenía con ella a tres o cuatro desvalidos huerfanitos. La sangre vertida llenaba de frenesí sus sentidos y, no obstante, tras las laudes de la mañana siguiente, confesaba siempre su desaliento a su diario secreto: ¨ Por más que les pego, no hay manera de que aprendan a lamerme el clítoris como a mí me gusta ¨.
Casi veinte años tardaron las autoridades a descubrir que el patio del hospicio estaba sembrado de jóvenes cadáveres que no habían soportado tanto delito atávico como cargaban sus tiernas espaldas. Petra von Kliksberg fue llevada ante la justicia, donde en vano derramó amargas lágrimas, puesto que fue sentenciada a morir a latigazos, como una perra, a manos de los huérfanos supervivientes.
– ¨ Me va a explotar la vagina de tanta alegría ¨  – fueron, dicen las crónicas, sus últimas y desvergonzadas palabras.

viernes, 7 de octubre de 2011

El muñeco viviente V (2007)


Maxi Contenti
 
Desde que tiene memoria, Maxi Contenti se obsesiona con el cine y la animación, comenzando a trabajar desde muy chico, casi jugando, con un grupo de amigos que oficiaban además de actores. Esta impronta permanece aún en su trabajo. Realiza estudios en Uruguay y el exterior vinculados a diferentes áreas cinematográficas. Durante su pasaje por el liceo en la ciudad de Nueva York, realiza el corto “Alone”
filmado íntegramente en esta ciudad. Fue en la época del atentado a las Torres Gemelas y la sensación de desequilibrio y paranoia están muy presentes en esta pieza.
Más adelante, se destacó junto al colectivo Área 4 con cortos de un humor inteligente y bizarro.
Muchas producciones de cine uruguayas, si bien no llegan al circuito comercial, compiten en festivales internacionales de primer nivel. Es el caso de Maxi Contenti, uno de sus más noveles representantes.
Su mundo está vinculado al absurdo, a lo perturbador, a los miedos, fobias y obsesiones que componen su universo personal, más que a una mirada politizada del Uruguay o su generación.
Si bien Maxi no plantea como un primer objetivo en su obra una actitud crítica, subyace en ella una segunda lectura que implícitamente cuestiona, a través de la subversión de una realidad contaminada de clichés y lugares comunes.
Sus héroes y las acciones, los guiños, la estética y el tiempo en el que transcurren las historias, tienen un común denominador: una mirada loser e infantil.
Maxi encuentra en las películas de Terry Gilliam el backstage de las de Spielberg, el otro lado vinculado con lo contemplativo, el lado perdedor con el cual se identifica. La línea del héroe y el villano, se desdibujan, desde ese lugar precisamente, es desde donde Maxi trabaja. Los héroes no aprenden, permanecen siempre iguales a sí mismos.
La experiencia no los transforma. En la obra de MC, los protagonistas son todos antihéroes, concientes de sí
mismos y la reflexión en el espectador surge a partir de la identificación con estos personajes. Uno puede fabricar las mismas armas, planear las mismas estrategias y tener el mismo valor que Bruno en el “Muñeco viviente V”. Tener las más oscuras obsesiones como en el personaje de “Hobby Metal”, un buscador de metales que cuenta con un dispositivo detector, barriendo sistemáticamente una playa.

En su primer largometraje “Muñeco viviente V”, plantea un héroe a partir de la mirada infantilizada, que se transforma inmediatamente en un antihéroe, un perdedor con buenas intenciones, sincero respecto a su entorno. Bruno (protagonista del largometraje) es un joven perturbado por un misterioso pasado; cuando era niño un muñeco de acción amenazó su vida y la de su familia. Ahora, años después, y volviendo de unas vacaciones con sus padres, tendrá nuevamente que enfrentar sus peores miedos. Entre su relación con sus extraños amigos y la particular situación familiar, Bruno se convierte en héroe de acción y tendrá que
acabar de una vez y para siempre con el muñeco.
 
Hace guiños sobre las posibilidades de Uruguay a la hora de producir cine, toda la acción es grandilocuente, pero fallida y un poco trash (cinta pato, juguetes y metales en desuso, son lo que conforma la artillería de Bruno el héroe). Ese héroe perdedor tiene sus referencias en Guybrush Threepwood de “Monkey Island” el
juego aventura gráfica de Ron Gilbert. “En el juego es como que estás en el caribe en un mundo de piratas, pero son piratas civilizados, postmodernos y todo es anacrónico; todos son concientes del absurdo de sus actos, actúan de piratas, como niños, y este personaje es así, se la cree, más bien se la quiere creer, pero sabe que es un juego y que en realidad él es un tipo normal. Me gusta lo del fin de la idealización del héroe y el villano, del fin de la división, y que los roles están difusos, en el mundo de este juego "Monkey Island", todos son inocentes, como que en el fondo saben que están haciendo cualquiera, el malo sabe que está
"haciendo de malo" sabe que está siendo unidimensional, y el bueno también, son como todos concientes de sus roles y saben que sólo es un acto”.

Capturas:
Datos tecnicos:

*Titulo original: Muñeco viviente V
*Año:
2007
*Genero: Fantastico, terror, comedia, accion

*Idioma: Español
*Tamaño: 689, 2 mb

*Formato: DvDRip

*Servidor:  UTorrent
*Calidad De Imagen: Excelente Calidad          

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jueves, 6 de octubre de 2011

Kissed (1996)


"Kissed" es una película canadiense sobre Necrofilia. Pero cuidado, que esto no es "Nekromantik" (1987). Hay momentos bastante explícitos, tanto gráficos como verbales, pero el tono no es la sordidez y el feísmo de la obra de Buttgereit. De hecho, es casi como un cuento de hadas. Sandra es una chica obsesionada con la muerte, y es a ella a quien seguimos y, casi, entendemos. Porque tiene una facultad especial: ve a los muertos rodeados de un halo de luz brillante y pura, y su relación con esa luz la eleva hasta casi experiencias religiosas y una profunda plenitud interior.
Lo mejor de "Kissed" es la forma que elige para contar esta, en principio, truculenta historia. Porque se aleja de toda posible obviedad: aun con morbo y regodeándose en ciertos detalles, éstos son casi siempre comprensibles conociendo a la chica. Y, aunque pudiera parecerlo en un primer momento, el humor negro no es tal, sino el extravagante y muy auténtico comportamiento de Sandra. Tampoco tiene pretensiones realistas; por eso decía al principio que es como un cuento de hadas, con imágenes preciosas, una princesa en apariencia enferma pero en realidad privilegiada. Sus actos de necrofilia (cada vez más explícitos conforme avanza la peli) son siempre respetuosos y con una fuerte carga mística, sin rollos new age, sino con una sencillez y fascinación casi adolescente, contrapuestos al garrulismo de su jefe que se folla a los chicos porque sí. Es una necrofilia femenina. Y, a pesar de la poesía que hay, que es mucha, "Kissed" también está lejos de la autocomplacencia gotica; desde el principio, el negro es casi un color prohibido, y el mundo de Sandra es colorista y alegre, y de un blanco refulgente. Sandra tiene toda una filosofía de sensaciones montada alrededor de sus actos, y es muy difícil de contrariar incluso con una moral tradicional. Y no es porque yo esté enfermo, que también puede ser, pero hay una fuerte carga erótica en los momentos más puramente sexuales. Molly Parker, la actriz protagonista, es una de esas chicas con belleza extraña y perturbadora, pero adorable a la vez. Podría ser hermana de "May"  (2002) en un ciclo de sociópatas entrañables.
Podríamos discutir sobre los ¨porqués¨ y los ¨paraqués¨ de semejante producto; pero, ¿acaso alguien se pregunta por los motivos del "appetite for destruction" de un Van Damme o un Steven Seagal? No. Sencillamente la historia es la que es. La tomas o la dejas. Si es pura recreación mórbida o una profunda reflexión post-mortem, decidanlo ustedes. Sea como sea, es una perla bien insólita, con una factura más que correcta y unas atmósferas endemoniadamente extrañas que a nadie dejarán indiferente.

Capturas:
Datos tecnicos:

*Titulo original: Kissed
*Año:
1996
*Genero: 
Sexplotation, necrofilia, fantastico
*Idioma: Ingles (sub. Español)
*Tamaño: 800 M
b
*Formato:   
AVI
*Servidor: DepositFile
*Calidad De Imagen: Excelente Calidad          

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