Caninos (2009)

Los hombres se encontraban encadenados en una caverna, mirando las sombras proyectadas de las cosas en la pared de la cueva, incapaces de volver la vista para ver la realidad. Del mismo modo nos encontramos en este mundo mirando las sombras de las ideas, incapaces de dirigirnos directamente a las ideas prescindiendo de todo lo percibido por los sentidos. (Platón, La República -Libro VII))

El Mito de la Caverna es una de las propuestas más memorables y obsesionantes de la filosofía. El objetivo es demostrar el peso de la educación recibida, pero también puede entenderse como el lastre de la falta de esta, según se lea, en nuestra percepción de la realidad y por tanto en nuestro sistema de pensamiento. Unos prisioneros viven en una caverna subterránea con un fuego tras ellos. Los prisioneros están encadenados de tal modo que solo pueden ver la sombra de los objetos  que se proyecta desde la realidad exterior sobre una pared blanca que hay situada delante de ellos. Si son liberados de sus cadenas y forzados a girarse hacia el fuego se sienten desconcertados y desorientados, y prefieren que se les deje en su estado original. Solo algunos llegan a darse cuenta que lo que ven son proyecciones de lo real, y estos pocos valientes comienzan su viaje de liberación que les lleva a traspasar el fuego y finalmente salir de la caverna. Lo que hace que esta historia todavía hoy día resulte sugerente es que nosotros mismos podríamos ser como esos prisioneros, que todo cuanto tomamos como realidad podría no ser más que sombras, una mera apariencia. Y si cuanto sucede en nuestra experiencia ordinaria fuera realmente una ilusión no tendríamos ni idea de que estamos siendo sistemáticamente engañados. Y si pudiéramos traspasar el velo de la apariencia y captar la verdadera naturaleza de la realidad, seguramente muchos decidirían volver a su estado anterior frente a considerar que su vida ha consistido en ser meros prisioneros confinados a un mundo de ilusión.

Para Platón, la ignorancia es una forma de esclavitud.  Solo el espíritu crítico podrá liberarnos de semejante manipulación. Todo esto tiene que ver con el proceso de crecimiento, de madurar y hacerse adulto, cuando comenzamos a cuestionar las ideas y creencias que nos han transmitido aceptando que muchas de ellas no solo no son determinantes sino cuestionables o simplemente falsas. Pero la caverna nos recuerda siempre otras formas de esclavitud que persisten a lo largo de nuestra vida, como puede controlarse y manipularse a la gente llenando sus cabezas de imágenes engañosas o falsas sobre el mundo. Para no entrar aquí en temas políticos que fomentan ciertas opiniones sobre nuestra sociedad y la política en general, consideren solo las imágenes publicitarias con las que somos bombardeados constantemente, diseñadas para hacernos creer que sus productos son indispensables para nuestro bienestar o felicidad. En cierta medida podemos llegar a ser los prisioneros de Platón, controlados por otros porque aceptamos las imágenes que se nos presentan como reales. La falta de espíritu crítico nos impide demasiadas veces captar la realidad de nuestras circunstancias.

El Cine y la Literatura se han hecho eco muchas veces de este planteamiento filosófico clásico, de este tipo de alegoría en la que se pone de manifiesto cómo los humanos podemos engañarnos a nosotros mismos, o somos forzados por poderes fácticos a la hora de representarnos la realidad. Un mundo feliz (Huxley), 1984 (Orwell), El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas (absolutamente recomendable, Murakami), La Caverna (Saramago) o hasta el mismo Calderón de la Barca en La vida es sueño toman claramente el testigo griego clásico. Y películas como La rosa púrpura del Cairo (1985), El resplandor (1980), Saló (1975), El Conformista (1970), La Naranja mecánica (1971) u otras más modernas como Matrix o El Show de Truman, van claramente en este sentido. Canino se basa en un principio similar. La película nos habla de la manipulación de la familia y del poder de los adultos, especialmente sobre los niños, la importancia de educar en actitudes críticas, la construcción de la personalidad y el peso de la adherencia a determinadas ideas y concepciones del mundo implícitas en la educación que recibimos. Y de como la manipulación psicológica puede alterar seriamente el sistema normal de representación de la realidad que percibimos. Una alegoría de la manipulación que supone una educación rígida e intransigente que podría ser trasladable más ampliamente al terreno político, al papel social de la Religión o a la intolerancia frente a otras culturas, tema tan rabiosamente actual. La familia que representa Lanthimos (director) vive a las afueras de la ciudad confinada en una casa rodeada por un alto muro. Los tres hijos, ya adultos, jamás han salido de la casa ni tenido contacto con el mundo exterior. Su educación, sus juegos, sus aficiones, incluso sus sentimientos, se ajustan al modelo impuesto por el padre. Son autómatas de comportamiento casi robótico cuyo lenguaje ha sido también tergiversado, algo similar a lo que sucede en 1984 de Orwell. Un avión es un juguete, una excursión un material muy resistente con el que se fabrican los suelos, el mar es una butaca de cuero o un teléfono es un salero. La única persona que entra en la casa es Christina, la guardia de seguridad de la empresa familiar de la que subsisten. Ella será quien, a través de un regalo que hace a una de las hijas, rompa la perfecta geometría en el que se mueve esta particular familia.

La imagen de las hijas bailando una danza en honor a su padre, casi idéntica a la que 30 años atrás filmara Kubrick en El Resplandor, con sus cuerpos robóticos, desposeídos y desplazados de la realidad es una de las más conmovedoras de la película. Un film absolutamente imperdible y recomendable, una rara avis en el escuálido panorama cinematográfico actual, poderosa y repleta de significado que demuestra, además, cómo se puede hacer una obra maravillosa con muy poco presupuesto. Lástima que Canino termina de modo tan abrupto, pues la acción se interrumpe en pleno apogeo dejando la resolución al espectador.

Capturas: 

Datos tecnicos:

*Titulo original:  Kynodontas (Dogtooth)
*Año: 2009
*Genero:  Bizarro
*Idioma: Griego (subtitulado español)

*Tamaño:  328.65 Mb

*Formato:  RMVB

*Servidor:  Depositfiles
*Calidad De Imagen: Exelente Calidad        

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El hundimiento de Japon (2006)

Desde el principio de la historia la ciencia ficcion se ha encargado de imaginar los diferentes posibles escenarios de desastre (reales o ficticios) que devastasen a la civilizacion o simplemente pusieran al hombre en peligro mas alla de sus posibilidades de superacion. Cuando estas historias llegan al cine se crea el genero "catastrofe". Este genero me atraia mucho de niño y en este momento (con un importante dolor de cabeza) recuerdo peliculas como "Infierno en la torre" (1974), la mas moderna "Armageddon" (1998) o "El dia despues de mañana" (2004) y hasta otras mas Ci-Fi como "El dia que la tierra se detuvo" (1951, remake 2008), etc, etc.

El dia 11 de marzo de 2011 (hace hoy un mes) Japon fue sacudido por un sismo de 8.2 en la escala richter (con un maximo de 12, en 10 se concidera destruccion total), luego de que cesó este movimiento de tierra (sucedieron varias replicas anteriores y posteriores de menor entidad) Japon fue golpeado por un Tsunami, con olas de 10 metros de alto). Hoy Japon sufrio un temblor de mas de 7 puntos.

El hundimiento de Japon, pelicula de 2006 explora en la tesis de una posible causa/consecuencia de estas catastrofes. 

¡Japón se hunde! ¡La catastrofe es inminente! Una serie de desastres naturales dan el primer aviso. Terremotos, erupciones volcánicas, tsunamis… Los científicos auguran que el archipielago se hundirá en cuarenta años, ¡pero el siguiente pronóstico anuncia que el hundimiento tendrá lugar en 338 días! El primer ministro pacta realojamientos en China, pero sufre un atentado y el liderazgo cae en Saori Takamori, una de sus ministras y la esposa del lider de uno de los equipos científicos que estudian el desastre en primera línea, el profesor Tadokoro. Tadokoro y Saori deberán sellar las cicatrices de su divorcio para trabajar en equipo y dar con la mejor solución posible para evitar el clataclismo.

Puede una nación luchar contra las fuerzas de la naturaleza?¿
 

El hundimiento de Japón es una producción basada en la novela de principios de los años setenta de Sakyo Komatsu, escritor, guionista y también director en el mundo del cine y la televisión. La primera película que se realizó sobre la novela con título homónimo data de 1973. El filme lo dirigieron Shiro Moritani y Andrew Meyer con guión de Shinobu Hashimoto y el propio Sakyo Komatsu. La producción de 2006 destaca por unos elaborados efectos especiales y por las pequeñas historias que tienen lugar en medio del desastre, las de aquellos que no nacieron para ser héroes.

Nuevamente los noticieros superan la ficcion. Japon necesita ayuda, informate y colabora. 

(Al fin y al cabo todos necesitamos cosas como los playstation, las gueishas y las peliculas de monstruos con tentaculos violadores!)

Capturas:

Datos tecnicos:

*Titulo original:  The Sinking of Japan
*Año: 2006
*Genero:  Catastrofe
*Idioma: Español

*Tamaño:  1,04 Gb

*Formato:  AVI

*Servidor: Deposit files
*Calidad De Imagen: Exelente Calidad        

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Sweet movie (1974)

Desde que en 1974 se presentara en Cannes, una tormenta de controversias concluyeron con la prohibición de este largometraje en numerosos países, mientras que en otros  continúan a día de hoy severamente censuradas  muchas de sus escenas. Como consecuencia, un sector importante del público desconoce su existencia; otro no ha podido acceder a ella, al menos en su versión íntegra, hasta el lanzamiento del DVD en 2007.

Desde mi punto de vista, los numerosos improperios que durante años se lanzaron sobre el film, tildándolo de grosero, incivilizado y ofensivo, si bien no faltan a la verdad resultan bastante superficiales y no atienden a la sustancia de la película, obviando lo más importante: se trata de la comedia política más audaz y escandalosa que probablemente exista en el cine moderno. Contiene también algunos elementos que han servido de referente a cineastas posteriores, como Kusturika o György, y lejos de tener como único objetivo la exhibición gratuita de escenas para muchos ofensivas o difíciles de digerir constituye una caricatura enérgica del capitalismo con el telón de fondo de la Guerra Fría, y su consecuente reflejo social en la vieja Europa. Sobre todo deja patente de modo fehaciente que, de manera independiente a la ideología con la que se presentara disfrazado (véase sociedad democrática occidental, véase degeneración del proyecto de dictadura del proletariado), ambos modelos atendían a un tipo de sociedad no tan distinta en su fondo, a pesar de las formas, donde la libertad, la creatividad y el placer son tergiversados en nombre del individualismo, el consumismo o la idealización de la eterna juventud -si miramos hacia al oeste-, o el miedo, la sumisión y el desprecio absoluto de las libertades más básicas si miramos a la entonces Europa del este.

Este retrato, lejos de escandalizar a los académicos setenteros, más bien sería lógico pensar que se hubiese prestado a reconocimientos y elogios de diversa índole. Entonces, ¿porque Sweet Movie sigue causando tanto revuelo? Probablemente la razón haya que buscarla en la intencionalidad formal del director (también guionista), pionero a la hora de elaborar un crudo retrato social  que borra cualquier regla cinematográfica precedente y transgrede las fronteras artísticas habidas hasta la fecha. Viéndola con la perspectiva del tiempo y como lo que es, una negrísima, provocadora y extravagante ficción caricaturesca, nos encontramos ante una película divertida, inteligente y compleja que exige del espectador algo más que ver y escuchar lo que se sucede en la pantalla, tanto por su estructura como por su compromiso estético, ambos radicalmente poco convencionales. Hay que advertir que el contenido de muchas escenas es realmente zafio, abyecto, por lo que cabe recomendar su visionado sólo para aquellos con una mentalidad muy abierta a la vez que un estómago suficientemente cerrado.

Pero antes de abordar el argumento y sus influencias artísticas y filosóficas, conviene esbozar brevemente quién fue Dusan Makavejev. Psicólogo antes que cineasta y uno de los máximos exponentes del Novi Film yugoslavo, Makanejef pertenece a la corriente del modernismo cinematográfico , donde se incluirían cineastas como Alain Resnais, Miklos Jancso, Jean Luc Godard, Pier Paolo Pasolini, Jean M. Straub, Vera Chitylova o Alexander Kluge. No es objeto de esta entrada extenderme en las características concretas de esta corriente; cabe apuntar, sin embargo que todos ellos parten de cierta elusión narrativa, la experimentación en los métodos de producción y el compromiso crítico sobre las condiciones sociales de la época. El cine, como cualquier arte, nunca es ajeno a los mecanismos sociales, políticos e incluso económicos, y Makavejev, en su Yugoslavia, entenderá estos principios de modo especialmente crítico con la realidad de su país y siempre en contraposición a la figura de la autoridad y la represión. Tras algunos cortometrajes y documentales, y un polémico estreno del film “Inocencia sin defesa”, en 1971 trata de llevar a las pantallas la controvertida “Misterios del organismo”, una película montada a modo de collage que entremezcla noticieros y fragmentos de otras cintas con una historia central sobre las teorías del inconformista psicólogo Wilhelm Reich, introduciendo asuntos eróticos de modo explícito y sugiriendo con ello que la libertad sexual podría ser motor importante de la revitalización del marxismo. La película fue prohibida y Makavejev se vio obligado a huir de Yugoslavia, para no regresar hasta 1988. Sweet Movie tuvo que rodarse en Canadá, Francia y Holanda, con financiación de Alemania Occidental.

Sweet Movie carece de narración lineal en el sentido formal del término y está construida, como la anterior, a modo de piezas de puzle que se suceden, intercalando sucesivamente dos historias paralelas que solo se encuentran al final de la película. Se inicia con un concurso de belleza para elegir la Miss Mundo “más virgen” de 1984. La ganadora es Miss Canadá y su premio el matrimonio con Mr. Dólares, un magnate de la industria de la leche que presume de ser el hombre más rico del mundo, dotado de un enorme pene de oro macizo. Su nuevo marido resulta sin embargo un personaje extremadamente hortera, maniático de la asepsia sexual e hipocondríaco, con un particular y mórbido temor a las enfermedades relacionadas con el sexo. Rechazado por ella en la noche de bodas, y tras una discusión sobre el reparto de los bienes matrimoniales que no tiene desperdicio, es finalmente secuestrada, introducida en una maleta y facturada como equipaje a París. Allí entabla relación con un espécimen dedicado a la canción melódica, español para más señas, con el que se une a una comuna dedicada a las extravagantes travesuras de sus miembros, seres más que desinhibidos que no son sino un cómico retrato del movimiento hippie que aparentemente profesa la libertad absoluta, aunque en el fondo no haya demasiada diferencia en sus relaciones ni reacciones con mundo del rico marido que la despachó. Aquí también el tiempo le ha dado toda la razón.

Paralelamente a este hilo narrativo, vemos un vapor navegando por un canal de Ámsterdam. Su nombre es Supervivencia y tiene como rasgo distintivo una gran talla con el rostro de Karl Marx en la proa. Los pasajeros son en su mayoría muy jóvenes (hay incluso niños, en clara referencia a la presentación que se hacía en la Europa del Este del nuevo régimen frente al caduco occidente), y la carga consiste en toneladas de azúcar y golosinas. Su capitana, Anna o Capitán Planeta, se enamora perdidamente de un marinero al que recoge mientras hace auto-stop en el rio, y que lleva la palabra “Potemkim” grabada en la gorra, que pasará a convertirse en su alocado amante. Tras algunas orgías (hay escenas explícitas) trata de deshacerse de él a golpe de puñaladas, pero solo obtiene burlas y risas. Pocas dudas caben acerca de que la muerte no es lo más temible en el barco de la supervivencia.

Hacia el final de la película, el sexo, la subversión, lo absurdo, convergen en dos escenas: por una parte vemos a Miss Mundo sumergida desnuda en un baño de chocolate para un anuncio publicitario, a modo de sensual abandono, donde encuentra la muerte tras un espectacular orgasmo ahogada bajo toneladas de chocolate; por otra, asistimos a una auténtica masacre en el barco, que concluye en carga policial y la detención de los supervivientes. Makavejev satiriza las frivolidades del capitalismo con tanto ímpetu como ataca la represión del falso comunismo soviético, aunque trata de imprimir una visión positiva dando un giro final en la última escena, cuando los cadáveres que yacen a lo largo del canal comiencen a revivir al tiempo que aparecen los créditos finales, sugiriendo que la vida y la libertad son, a pesar de todo, inextinguibles.

Una de las fuentes, al menos de las secuencias más escabrosas y degradadas, son (como en su anterior film) las teorías de Wilhelm Reich, sobre todo las que se refieren a la comuna donde convive la protagonista en París y las que corresponden al anárquico (y azucarado) despliegue sexual en el interior del barco. Cabe recordar que cuando se realizó la película, los acontecimientos de Mayo del 68 estaban relativamente frescos; también el caso de la comuna Friedrichshof (1972), que pretendía reemplazar instituciones burguesas como la propiedad privada y la monogamia por la emancipación sexual ilimitada, y que fue disuelta y sus miembros acusados, entre otros cargos, de pedofilia. El recreo que hace Makavejev contiene grandes dosis de realismo además de claras referencias a los precedentes artísticos de la época, el Movimiento Pánico, el mundo del Body Art y la Performance. O, de forma aquí más precisa, el Accionismo Vienés, con la presencia en pantalla del mismo Otto Mühl, por lo que conviene poner sobre aviso al espectador, que se enfrenta a todo tipo de escenas de excreción explícita por diversos orificios corporales, incluida la escatología más soez, que sin duda expanden hasta el límite las posibilidades transgresoras de una práctica artística radical, llevada aquí hasta sus (casi) últimas consecuencias. También se deducen algunas de las teorías del pensador ruso Mikhail Bakhtin, quien con su teoría del Gran Carnaval revolucionó el pensamiento de la época mediante la idea del arte salvaje y caótico como necesidad desesperada de la sociedad para la liberación del sometimiento a los códigos de decoro y decencia impuestos por el poder dominante.

Con todo, mucho más inquietantes que toda esta sucesión de (quizás) despropósitos, resultan las imágenes de archivo que documentan la masacre del Bosque de Katyn, intercaladas hábilmente entre las escenas más románticas, que son las que tienen lugar entre la Capitán Planeta y el marinero Potemkim (que no es sino la URSS). En Katyn, el ejército soviético asesinó y enterró en fosas comunes (muchos de ellos vivos según las autopsias) a más de catorce mil prisioneros polacos. La masacre se atribuyó a la Alemania nazi, pero en 1992, tras la caída del Muro, Rusia reconocerá que fue Stalin quien autorizó los asesinatos. Makavejev entiende el régimen imperante en los países del este como una forma de fascismo, que utiliza el marxismo para en realidad tergiversarlo en beneficio del poder de una minoría. Cuando sucede la masacre ficticia en el buque Supervivencia, vemos como a la figura de Marx de la proa le cuelga de un ojo una enorme bolsa de agua a modo de gran lágrima, mientras intercala imágenes de archivo de los asesinados reales en 1943, lo que sugiere claramente que los ideales y filosofía de Marx sobre un futuro esperanzador y libre fueron también enterrados en el Bosque de Katyn.

El montaje, de Yan Dedet, cuyo puzle no parece tener una conexión lógica ni en la narración ni en el tiempo, aunque en conjunto se perciben los vínculos y su significado, se debe, con bastante probabilidad, a la influencia del cine abstracto surrealista de la década de los cincuenta, entre los que se encontrarían algún film de Chris Marker (Carta a Siberia, 1957) o los cortometrajes de Bruce Conner, y a la influencia de la vanguardia soviética de los años 20, entre ellos, Einsestein.

La banda sonora merece mención aparte. Ideada por el compositor griego Manos Hadjidakis, incluye algunos conocidos temas setenteros intercalados entre canciones como Bandiera Rossa, canción popular utilizada como himno de los comunistas y socialistas italianos, mientras contemplamos frívolos devaneos sexuales, el Himno de la Alegria o fragmentos de La Internacional al tiempo que se producen algunas de las secuencias más grotescas.

Añadir por último que, según se explica en el libreto que acompaña la reciente edición en DVD, Coppola propuso a Makavejev colaborar con él en lo que por entonces era sólo un esbozo de su obra “Apocalypse Now”, tras quedar impresionado con las nuevas tendencias cinematográficas de los Balcanes y, en particular, con “Misterios del Organismo”, pero el yugoslavo se desvinculó del proyecto y se decantó por el rodaje de Sweet Movie en lugar de hacerlo con Coppola. No podemos saber si le hubiese ido mejor en su carrera de haber aceptado la oferta, o quizás mejor preguntarse qué destino habría tomado la de de Coppola… En cualquier caso, Sweet Movie va más allá de una película de bajo presupuesto gamberra y subversiva, para la que se prodigaron en improperios los intelectuales de por aquel entonces, de uno y otro signo (incluido el PC francés, que acusó a Makavejev de traidor), pues se trata de un film sumamente interesante tanto por sus influencias como por su contenido implícito, al margen de las lógicas reservas sobre los límites morales que cada cual juzgue conveniente imponerle.

Capturas: 

Datos tecnicos:

*Titulo original:  Sweet movie
*Año: 1974
*Genero:  Explotation
*Idioma: Ingles

*Tamaño:  711.69 MB

*Formato: AVI (1,44 Gb) FLV (304,4 Mb)

*Servidor: Rapidshare (4 partes)
*Calidad De Imagen: Buena Calidad        

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Nekromantik (1987)

El film Nekromantik de Jörg Buttgereit es uno de los que difícilmente podría pasarse por alto; además de haber causado bastante controversia (aún en la actualidad lo hace), hace un abordaje del tema de la necrofilia sumamente interesante. Se da una relación entre sexo y muerte (algo ya muy tratado por Georges Bataille en El Erotismo, en donde muerte, sexualidad y violencia se encuentran imbricados).La historia trata sobre una pareja, Rob Schmadtke y Betty, quienes tienen una fascinación por la muerte (Rob colecciona órganos, y en su departamento hay varias fotografías: entre ellas una de Charles Manson); Rob un dia vuelve de su trabajo (se encargaba de levantar cadáveres de la carretera) con un cadáver bastante putrefacto. Él y su novia Betty mantienen relaciones sexuales con el cadáver (al no tener ya pene, le colocan un tubo con un condón). Betty deja a Rob al perder este su trabajo, llevándose al cadáver con ella; por lo cual Rob entra en una crisis severa. El film fue bastante criticado por el tema y por la forma de abordarlo; lo cierto es que presenta una historia en donde aparecen unos personajes alienados, podríamos decir que debido a la sociedad misma, puesto que el trabajo de Rob de levantar cadáveres incluía a personas muertas; en donde se les da un manejo desligado de cualquier ceremonia o sentimiento (al cadáver que Rob llevó a casa lo encontraron en el lago y luego le pidieron a Rob que se encargara de deshacerse de él), o incluso la secuencia de la muerte del conejo se intercalaba con una escena de una autopsia a un ser humano. Son personajes los cuales solamente pueden relacionarse y afirmar su propio poderío a través de la muerte y la necrofilia (Rob en cierta escena no puede tener una erección con una prsotituta, solamente después que la estrangula puede cogerla). Curiosamente dentro del film mismo se habla de las posibles causas de la desensibilización de las personas (en una especie de documental que ve Rob en cierta escena) reflexionando sobre los mismos films violentos. Como dato curioso; Trent ReznorReptile de su banda (aunque en realidad sea casi que solo él mismo) Nine Inch Nails; en la escena donde Rob va a ver una película Slasher, es uno de los gritos de la chica que es perseguida por el asesino. Dentro de la atmósfera que el film proporciona está la musicalización, la cual juega un papel bastante importante; ya que hace ambiguas las escenas violentas y de necrofilia (o de "sexo indebido" como lo llama un amigo en broma) mediante tonadas "románticas" (el tema ménage a trois en la necrofilia de Rob y Betty) y composiciones minimalistas que acrecientan la sensación de alienación. En ciertas escenas la música me recordó los trabajos de Steven Stapleton con su proyecto Nurse With Wound y sus collages audibles surrealistas, debido a sus incongruencias. Por esto Nekromantik es un film que no se puede ignorar y que, ya por visto, difícilmente se olvidará. utilizó un sample de este film en el tema

Capturas: 

Datos tecnicos:

*Titulo original:  Nekromantik
*Año: 1987
*Genero:  Gore
*Idioma: Ingles (sub. español)

*Tamaño:   699 Mb 

*Formato: Avi

*Servidor: Turbobit
*Calidad De Imagen: Exelente Calidad        

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Nekromantik (Parte 1) 

Nekromantik (Parte 2) 
Nekromantik (Parte 3)
Nekromantik (Parte 4) 
Nekromantik (Parte 5)

 

El noctambulo (2006)

Producto uruguayo que intenta asomarse a un género con el que habitualmente ni el cine latinoamericano ni mucho menos el nacional se atreven; el de los superhéroes.

El protagonista es Marcos Andrade (Gabriel Díaz) un joven empleado de una empresa que descubre que su jefe (Sergio Pereira) está detrás de una serie de negocios fraudulentos. Cuando Marcos obtiene pruebas que pueden encerrar a su corrupto jefe, éste asesina a su prometida y luego intenta hacer lo propio con él. Marcos logra escapar y jura venganza por la muerte de su amada, lo que lo llevará convertirse en un oscuro justiciero enmascarado que se hará llamar El Noctámbulo.
La idea de hacer un superhéroe netamente uruguayo no era mala en los papeles. Lamentablemente su ejecución material se quedó en el debe.

Gabriel Díaz, artífice de la idea original, que además de guionizar también lo protagoniza y dirige, denota ser tan conocedor como admirador de los elementos más básicos del género heroico. Uno entiende que motivado por su amor a los héroes de comic con los que creció haya pretendido homenajearlos. Lo que no es demasiado entendible es por qué siendo su héroe de estas latitudes deba tener tantas similitudes con los de otras demasiado lejanas a nuestras realidades culturales. Y creo que es ahí donde Díaz se equivocó al encarar el producto; "El Noctámbulo" intenta lucir demasiado a una suerte de "Batman" pero sin su carisma ni habilidades físicas, combinado con aquel vengador anónimo de la saga "Death Wish" que hiciera tan popular al desaparecido Charles Bronson hace décadas.

El problema es que en esa carrera por querer ser lo que no puede termina no siendo ninguno, y en esa competencia Díaz pierde de vista totalmente la calidad argumental de la historia que nos relata, que resulta tan rutinaria y lineal que hace que el espectador pierda muy rápidamente todo interés en el asunto.

Las actuaciones en general tampoco ayudan demasiado a tomarse en serio la historia. El porte físico de Díaz como protagonista no convence y lo mismo se puede decir de la mayoría de los secundarios. Sergio Pereira es un buen actor, pero aquí como villano aparece tremendamente sobreactuado y sus expresiones de maldad lo emparentan con el peor maloso de las producciones animadas de la Disney.

El film se desdibujo por falta de fondos demorando mas de 4 años entre pre-produccion, rodaje y post-produccion.

A favor del producto podría destacar la buena fotografía de Montevideo, que por momentos realmente luce como una ciudad diferente sumada a alguna que otra secuencia de acción resuelta con más gracia que efectividad.

Quizas no sea una gran pelicula pero es un acercamiento a un cine que en este pais no se hizo y (por lo que se ve) no se hara jamas.

El noctambulo, el superheroe (sin superpoderes) uruguayo; para el mundo.

Trailer:

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